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This book examines how circus and circus imaginary have shaped the historical avant-gardes at the beginning of the 20th century and the cultures they help constitute, to what extent this is a mutual shaping, and why this is still relevant today.

This book aims to produce a better sense of the artistic work and cultural achievements that have emerged from the interplay of circus and avant-garde artists and projects, and to clarify both their transhistorical and trans-medial presence, and their scope for interdisciplinary expansion. Across 14 chapters written by leading scholars – from fields as varied as circus, theatre and performance studies, art, media studies, film and cultural history – some of which are written together with performers and circus practitioners, the book examines to what extent circus and avant-garde connections contribute to a better understanding of early 20th century artistic movements and their enduring legacy, of the history of popular entertainment, and the cultural relevance of circus arts. Circus and the Avant-Gardes elucidates how the realm of the circus as a model, or rather a blueprint for modernist experiment, innovation and (re)negotiation of bodies, has become fully integrated in our ways of perceiving avant-gardes today.

The book does not only map the significance of circus/avant-garde phenomena for the past, but, through an exploration of their contemporary actualisations (in different media), also carves out their achievements, relevance, and impact, both cultural and aesthetic, on the present time.

The Cambridge Companion to the Circus provides a complete guide for students, scholars, teachers, researchers, and practitioners who are seeking perspectives on the foundations and evolution of the modern circus, the contemporary extent of circus studies, and the specialised literature available to support further enquiries. The volume brings together an international group of established and emerging scholars working across the multi-disciplinary domain of circus studies to present a clear overview of the specialised histories, aesthetics and distinctive performances of the modern circus. In sixteen commissioned essays, it covers the origins in commercial equestrian performance during the late-eighteenth century to contemporary inflections of circus arts in major international festivals, educational environments, and social justice settings.

This book documents and discusses the meaning(s) of the creative process at play in the crafting and staging of circus acts. It highlights the experience of circus artists as their skills develop and mature into public performances that create aesthetic and emotional values in the modern economy of live spectacles. It scrutinizes the meaning that circus acts produce for the spectators and for the artists themselves who live this process from the inside. This is a book for those studying semiotics and wanting to see it applied to a real life milieu in accessible and passionate prose.

The Meaning of the Circus is grounded on the personal experience of Professor Paul Bouissac as both a circus entrepreneur and a researcher with decades of primary material on the significance of past and contemporary circus acts. It is based on substantial accounts provided by many men and women who have agreed to share the challenges, joys, and anxieties of their life as artists. Personal and rigorous, it contributes to the hermeneutics of the circus arts by adding existential depth to the production and reception of their performances.

Si le terme de dramaturgie, vers lequel tous les regards du présent ouvrage convergent, était peu employé au cirque avant les années 2000, il connaît aujourd'hui dans ce domaine un essor important, qui génère nécessairement des questionnements sur sa signification précise et sur les enjeux qu'il recouvre.

Cette publication est nourrie de contributions des différent-es intervenant-es du Certificat en dramaturgies circassiennes (CNAC/ESAC) mais aussi de chercheur-euses et d'artistes qui ont vivement contribué à l'analyse de la place de la dramaturgie au cirque. Elle se déploie par contours et détours, à travers une exploration de cette notion protéiforme, qui génère autant de méfiance que d'enthousiasme et semble parfois résister à la définition. Quel est le rôle et la place du dramaturge dans une création ? D'où vient la dramaturgie, comment peut-elle s'appliquer au cirque et quels types d'entrelacements produit-t-elle entre les différents arts ? Quelles potentialités pour le cirque ouvre le développement de dramaturgies « plurielles », « ouvertes », « sensibles » ?

Bien plus qu'un manuel, qui fixerait une méthode ou une vérité, ce recueil d'articles se veut avant tout un outil mis à disposition de toutes les personnes qui s'intéressent aux arts du cirque contemporain.

Thinking Through Circus gathers ten dialogues with and between circus artists. Each entry bears witness to how a specific circus practice is (also) a practice of critical thinking, revealing how feminism, queerness, dramaturgy, love, disobedience, posthumanism and the aesthetico-political imaginary are rethought in and through contemporary circus practice.

With this book, The Circus Dialogues wants to tend to the embodied relationships between contemporary circus and today’s world, defending circus as a field in which experimental thinking is already happening and can continue to happen. Doing so, we hope to contribute to a more sustainable circus, expanding both accountability and agency within our field.

The Circus Dialogues is a two-year artistic research project at KASK School of Arts Ghent (BE) led by Bauke Lievens (BE), Quintijn Ketels (BE), Sebastian Kann (US/DE) and accompanied by Vincent Focquet (BE). Our work delves into and makes space for encounters between theory and artistic circus practice. The Circus Dialogues aims to shine a light on the circus as a field in which experimental thinking is already happening, and we work to ensure the ongoingness of such thinking in an artistic and institutional ecology that’s long-term sustainable. We do this first and foremost through our diverse artistic practices. In parallel, we organize reading groups and collaborative gatherings for circus artists. We have also published several Open Letters to the Circus. Our activities are conceived with the intention of helping to imagine the circus field as both important and political. Most importantly, we defend circus as an open and undefinable form. [editor summary]

In this volume, twenty-four creators come together with three scholars to discuss Contemporary Circus, bridging the divide between practice and theory.

Lavers, Leroux, and Burtt offer conversations across four key themes: Apparatus, Politics, Performers, and New Work. Extensively illustrated with fifty photos of Contemporary Circus productions, and extensively annotated, Contemporary Circus thematically groups and contextualises extracts of conversations to provide a sophisticated and wide-ranging study supported by critical theory.

Of interest to both practitioners and scholars, Contemporary Circus uses the lens of ‘contestation,’ or calling things into question, to provide a portal into ways of seeing today’s circus performance.

Conversations with: Lachlan Binns and Jascha Boyce (Gravity and Other Myths), Tilde Björfors (Cirkus Cirkör), Kim ‘Busty Beatz’ Bowers (Hot Brown Honey), Shana Carroll (The 7 Fingers), David Clarkson (Stalker), Philippe Decouflé (Compagnie DCA), Fez Faanana (Briefs), Mike Finch (Circus Oz), Daniele Finzi Pasca (Compagnia Finzi Pasca), Sean Gandini (Gandini Juggling), Firenza Guidi (ElanFrantoio, NoFit State Circus), Jo Lancaster and Simon Yates (Acrobat), Johann Le Guillerm (Cirque Ici), Yaron Lifschitz (Circa), Chelsea McGuffin (Company 2), Phia Ménard (Compagnie Non Nova), Jennifer Miller (Circus Amok), Adrien Mondot (Compagnie Adrien M and Claire B), Charlotte Mooney and Tina Koch (Ockham’s Razor), Philippe Petit (high wire artist), and Elizabeth Streb (STREB EXTREME ACTION). [editor summary]

This research study proposes an introduction to the performance art form contortion by examining its theories and functions throughout the 20th and 21st century. It considers themes such as the appropriation of contortionism during the golden age of Hollywood and discusses definition issues between contortionism and other disciplines with body flexibility, such as gymnastics and yoga. By examining the genesis of contortionism in ancient China, it aims to explore parallels between the origins of Chinese contortionism and the establishment of Chinese acrobatics. It offers points of discussion regarding the political use of contortionism in socialist China and the development and institutionalisation of acrobatic troupes since the founding of the People’s Republic of China in 1949. Lastly, it draws upon a Foucauldian perspective by examining the parallels between the Western training of soldiers during the 17th and 18th century, and methods of traditional Chinese acrobatic training in the 21st century. This research study aims to position the art of contortionism in scholarly literature, to open up this valuable field for future discussion and research, and as contribution to a better understanding of this art form for current and future contortion practitioners.

This beautiful book charts the development of the circus as an art form around the world, from antiquity to the present day.

Using over 200 circus related artworks from the French National Library's private collections, celebrated cultural historian Pascal Jacob tells the story of travelling entertainers and their art and trade. From nomadic animal tamers of the Dark Ages to European jugglers and acrobats of the 1800s, from the use of the circus as Soviet propaganda to the 20th-century Chinese performance art renaissance, this is an exhaustive history with a uniquely international scope.

Jacob draws on both rare and famous artworks, including prints dating from the 13th century, and paintings by Picasso and Doré. In doing so he demonstrates the circus to be a visual and physical masterpiece, constantly moving and evolving, and just as exciting an experience for audiences now as it was 1,000 years ago.

Alexander Vantournhout et Bauke Lievens se sont rencontrés pour la première fois il y a quatre ans. Il fait du mouvement et est circo-/chorégraphe, elle est dramaturge et chercheuse. Un dialogue artistique inspirant et orageux est né, il s’est étendu en 2016 à un ménage-à-trois avec l’arrivée de l’artiste de cirque Raphaël Billet. En tant que duo créatif, Alexander et Bauke ont à leur actif ANECKXANDER (2015) et Raphaël (2017), deux spectacles qui explorent les limites du cirque en tant que langage, genre et tradition artistique. Ensemble ces deux pièces forment un diptyque, unies par leur recherche continuelle sur la relation physique d’un artiste de cirque à un objet et au regard de l’autre. ‘Is there a way out of here?’ essaie de retracer les chemins de la recherché de manière rétrospectiv. Trois voix différentes entrent en dialogue avec l’écrivain et journaliste anglais John Ellingsworth. ils reviennent sur une quête partagée, évoquant un travail solitaire dans des salles de bains norvégiennes, la réalité de la fiction et comment dans le cirque de création on se cogne toujours la tête contre un mur qu’on a construit soi-même. [résumé de l'éditeur]

La modernité a inventé de nouvelles subjectivités grâce notamment à un changement profond de sa conception de la corporéité. Le corps, lieu de projection de l'identité personnelle, a été la fabrique de l'identité moderne. Entre l'écriture dramatique et l'écriture scénique, la force d'apparition prise par le corps de l'acteur au début du XXe siècle a été un événement essentiel. Aujourd'hui, les enjeux liés à cette prédominance de la pensée du corps en scène et de son émancipation dans la représentation sont vastes et complexes. Le corps, tel qu'il est questionné dans cet ouvrage, tient à la fois du corps visible et de l'invisible qui, comme son ombre, l'accompagne. Dans une perspective pluridisciplinaire, à la croisée des arts du théâtre, de la danse, du mime, du cirque, de la marionnette, nous souhaitons interroger dans cet ouvrage le corps prismatique de l'acteur-performeur, entre organicité et artifice, plasticité et insoumission, fêlure et énigme. Un corps qui ouvre un au-delà du sens et du sensible, et rayonne à partir du mystère de l'en-dedans. [résumé de l'éditeur]

L'art vivant implique le corps dans la création d'une esthétique intercorporelle : relation directe avec le public, échanges entre les partenaires, émersion de sensations intimes. Par le contact tactile des mains, des corps et des peaux, des informations invisibles sont activées dans les réseaux nerveux, hormonaux et cérébraux. Ainsi, les artistes se reconnaissent par la projection de leur espace corporel qui repose sur une sensibilité empathique, dans une reconnaissance affective et sur une résonance motrice. [résumé de l'éditeur]

Depuis les années 2000, les recherches artistiques et les créations d’Aurélien Bory bouleversent l’approche de l’espace. L’espace dans son rapport à la réalité du mouvement, du geste, de l’idée, de l’architecture et de la géométrie. Artiste créateur essentiel de la scène française, Aurélien Bory présente son processus de création, de l’idée à la réalisation à travers un ouvrage dédié à l’espace – enrichi et documenté de nombreuses photographies aussi vives que ludiques. C’est sous la forme d’un entretien avec Catherine Blondeau, directrice du Grand T (théâtre de Loire-Atlantique) à Nantes, qu’on le découvre. [résumé de l'éditeur]

This book takes its starting point in a rare experiment, that of an academic researcher attempting to learn to do circus. What happens to the knowledge of the performance theoretician when physically engaging with the circus arts? One of the (im)material outcomes of this experiment is what the author calls "homemade academic circus” - a series of lecture-performances on performance-related academic questions, presented and discussed through circus disciplines. The interest of homemade academic circus, and the analysis of it presented in this book, lies not only in the fact that it is a form of curiosity within academic research. It is also worth noting that the main character in this experiment (sometimes known as the “professional amateur” or the “academic freak”, the alter egos of the researcher) goes through the opposite process of what many artists within artistic and practice-based research experience today. What happens if, rather than going from art to academia, one would go from academia to art? Which cultural and paradigmatic shocks would that produce, and how would that influence the researcher’s understanding of knowledge and thinking? [editor summary]

Essays examine the innovative and influential circus scene as a creative, entrepreneurial, and cultural force that spans the globe.

With a billion-dollar industry centred in Montreal, the province of Quebec has established itself as a major hub for contemporary circus. Cirque du Soleil has a global presence, and troupes such as Cirque Éloize and 7 doigts de la main are state-of-the-art innovators. The National Circus School of Montreal - the only state-funded elite training facility in North America - is an influential leader in artistry and technique. Montreal-based Cirque du Soleil’s Cirque du Monde supports arts for social change on many continents and is renowned for its social-circus training and research.

Cirque Global is the first book-length study of this new variety of circus and its international impact. The contributors offer critical perspectives on this rapidly developing art form and its aesthetics, ethics, business practices, pedagogical implications, and discursive significations. Essays explore creative, entrepreneurial, and cultural forces that are shaping Quebec’s dynamic nouveau cirque. Lavishly illustrated with photographs from circus performances, the volume showcases Quebec circus’s hybrid forms, which have merged the ethos and aesthetics of European circuses with American commercial and industrial creativity.

Cirque Global is the definitive study of the phenomenon of Quebec circus and is an important model for future research on contemporary circus. [editor summary]

The Routledge Circus Studies Reader offers an absorbing critical introduction to this diverse and emerging field. It brings together the work of over 30 scholars in this discipline, including Janet Davis, Helen Stoddart and Peta Tait, to highlight and address the field’s key historical, critical and theoretical issues. It is organised into three accessible sections, Perspectives, Precedents and Presents, which approach historical aspects, current issues, and the future of circus performance.

The chapters, grouped together into 13 theme-based sub-sections, provide a clear entry point into the field and emphasise the diversity of approaches available to students and scholars of circus studies. Classic accounts of performance, including pieces by Philippe Petit and Friedrich Nietzsche, are included alongside more recent scholarship in the field.

Edited by two scholars whose work is strongly connected to the dynamic world of performance, The Routledge Circus Studies Reader is an essential teaching and study resource for the emerging discipline of circus studies. It also provides a stimulating introduction to the field for lovers of circus. [editor summary]

Chacun possède sa propre vision du cirque, un univers aux richesses insoupçonnées et en constante évolution. Cet ouvrage en propose une histoire abondamment illustrée, de ses origines saltimbanques à ses formes les plus contemporaines.

Au fil des pages, affiches, dessins, estampes et photographies dévoilent les secrets de chacune des disciplines qui peuplent le grand chapiteau et offrent un voyage planétaire haut en couleurs. Né en Angleterre en 1768, développé en France, il magnifie avant tout le cheval. Entre 1880 et 1930, c’est l’âge d’or du dressage, de la splendeur allemande et du gigantisme américain motivé par le développement du chemin de fer. Viennent ensuite la révolution du cirque soviétique, la puissance d’évocation du théâtre acrobatique chinois, et le renouveau du cirque avec les écoles françaises, belges ou canadiennes.

Un ouvrage complet pour retrouver son âme d’enfant. [résumé de l'éditeur]

Le « nouveau cirque », le « cirque contemporain », le « cirque actuel », le « cirque de création », les « arts du cirque », autant d’appellations qui tentent de cerner et de rendre compte des intentions, des démarches et des spectacles concrétisés par de nouvelles générations revisitant, sans a priori, les chemins ouverts de cirques différents. Depuis les années 1980, soutenus par des mesures d’aides institutionnelles, des artistes qui s’enracinent dans le paysage culturel et artistique participent à l’histoire de ce genre en se laissant contaminer par
le monde tout en en restituant une vision, c’est-à-dire en faisant œuvre. À partir de quelques problématiques, la constitution du genre et son institutionnalisation, les échappés (les clowns, par exemple), l’approche des nouvelles technologies, le croisement avec les autres arts (la danse et le théâtre), cet ouvrage mêle considérations esthétiques et analyses de spectacles et pointe l’hétérogénéité d’une création plurielle. [résumé de l'éditeur]

Depuis sa naissance, sous forme de théâtre équestre à la fin du XVIIIème siècle, le cirque a conçu ses propres rapports au corps, à la parole, à l'objet, à l'espace, sans cesser d'entretenir des relations de séduction avec les autres disciplines. Issues de nouvelles écoles, les compagnies d'aujourd'hui bousculent les catégories et les hiérarchies établies. Elle conçoivent des oeuvres à part entières, émancipées de la logique du numéro, où la prouesse n'occupe plus forcément le premier plan. Contestant la notion de genre mineur, les "circassiens" pratiquent l'hybridation des techniques et la transgression des codes. Forgeant leurs propres écritures comme ils inventent leurs agrès, ils n'en aspirent pas moins à la considération dont jouissent les arts savants. Cette nouvelle édition, comprenant une introduction actualisée et une bibliographie étendue, propose une réflexion critique sur le cirque, de la piste traditionnelle à la scène contemporaine. [résumé de l'éditeur]

Spectacle « populaire », « traditionnel » ou « contemporain », le cirque français traverse une période de profondes transformations esthétiques, économiques et institutionnelles. Par une observation participante et une enquête historique approfondie, l’auteure a rencontré ses acteurs et en particulier les trapézistes. L’analyse de leur production, déclinant une large palette esthétique a permis de décrire un cirque devenu multiple et l’investissement des trapézistes dans d’autres espaces que celui de la piste. [résumé de l'éditeur]