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Akaji Maro, chorégraphe, s’intéresse au théâtre dès son adolescence. En 1964, il rencontre Jûrô Kara et participe à la création du Jôkyô Gekijô, compagnie phare du théâtre underground. Akaji Maro fait connaissance de Tatsumi Hijikata, l’un des fondateurs de butô. Il est hébergé chez lui, observe ses répétitions et y croise des grandes figures du monde culturel nippon : l’écrivain Yukio Mishima, le photographe Nobuyoshi Araki… En 1972, il fonde sa compagnie Dairakudakan dans laquelle danseront Ushio Amagatsu, Kô Murobushi et Carlotta Ikeda. En 1982, Maro et sa troupe font découvrir le butô aux États-Unis lors de l’American Dance Festival. Ils sont également invités au Festival d’Avignon In. Il reçoit régulièrement le prix de la Japan Dance Critics Association.

Son allure de yakuza et sa maîtrise du corps ont séduit de grands réalisateurs de films parmi lesquels Seijun Suzuki (Mélodie tzigane), Takeshi Kitano (L’été de Kikujirô), Shion Sono (Room), Quentin Tarantino (Kill Bill). [résumé de l'éditeur]

Si ce sont des textes d’écrivains qui ont inspiré ma danse, j’ai voulu ajouter entre leurs phrases ce qui ne pouvait pas être dit, ces gestes qui étaient imbibés de leurs mots et qui disparaissent. Rendre ces paroles aussi fugitives et éphémères qu’un geste.
Les écrits sont plus pertinents pour traverser le temps. Pourquoi alors écrire le geste, pourquoi devenir chorégraphe ?
J’ai travaillé face au miroir pour apprendre à décrypter un geste, puis j’ai abandonné le miroir pour regarder les mouvements des autres dans la vie de tous les jours, comme un anthropologue.

J’ai utilisé des caméras de toutes sortes qui m’ont permis de différencier ma vision d’un Narcisse pour laisser place à celle d’un Orphée ; l’important n’était plus ce que je voyais mais ce que je ressentais de l’intérieur.
Les images et les gestes sont devenus plus profonds et différents grâce à un décalage dans le temps et ont permis d’apercevoir l’image d’après son miroitement dans les sens.
Un travail d’orfèvre à ciseler un corps au plus proche de son âme.
Je possède des cahiers, remplis de notes et d’extraits de textes. Ils sont témoins, en plus de mes pièces, de mon existence.
J’ai créé plusieurs solos pour ensuite réaliser des pièces de groupes et pouvoir approcher et nourrir mes danseurs. Pour cela, j’ai toujours d’abord été seul en studio, sauf pour les derniers spectacles où des collaborateurs m’ont aidé à me questionner, tout simplement.
Je suis devenu plus épistolaire en écrivant mes pièces et cela à cause de mes départs.
Comme l’encre des écrivains sur le papier, j’ai dépensé pas mal de sueur et de sang avec mes interprètes. Tout cela est resté sur les planches des studios des théâtres, dans les rues, les cinémas, les jardins et aussi dans la mémoire des hommes et des femmes qui m’ont aidé à écrire cette traversée.
C’est dans cet esprit que je les ai conviés à « écrire les gestes ».
Transmettre et partager des passions, des vérités évanescentes.
Imprimer dans les mots les silences de nos gestes.
Claudio Bernardo [résumé de l'éditeur]

Dans L’Irréversibilité et la Nostalgie, Vladimir Jankélévitch écrit : « Celui qui a été ne peut plus désormais ne pas avoir été. Désormais, le fait mystérieux et profondément obscur d'avoir vécu est son viatique pour l'éternité ». Oui, ils ont été. Dans Duo, j’ai choisi de faire « revivre » le temps d’un entretien, entre deux eaux, ces deux artistes de la danse, Merce Cunningham et Pina Bausch, décédés tous deux pendant l’été 2009. Certains faits, souvenirs évoqués sont empruntés à leurs biographies, ils appartiennent à la réalité, d’autres, contenus dans leurs paroles, sont pure fiction. Le psychanalyste Daniel Sibony, dans Le Corps et sa danse, au sein d’un paragraphe intitulé : « Le saut », écrit : « […] la danse concerne de près la Loi, donc — explique-t-il —, la jouissance, le corps, l’amour, le fantasme, le langage, le silence, la conscience de l’autre, l’espace, le temps, l’image, les liens, l’absence de lien, la scène, l’obscène, le rituel, le théâtral, le vulgaire, le sublime, le terrien, le cosmique, l’ombre et la lumière ». Dans cette phrase, ce qui m’intéresse est la liste. Elle constitue, à mon sens, une définition très juste de ce qui fait la danse. Chaque listé est présent dans les pas dansés, des pas qui, assemblés, forment une œuvre chorégraphique. J’ai tenté de faire infuser cette liste grâce aux outils qui étaient les miens : les mots. Mots qui, sur ces feuilles blanches, assemblés constituent un dialogue. Il s’agit donc d’une pièce en deux solos — pour trois comédiens — où les mots sont autant de pas pour avancer vers la fin.
Julie Rossello. [résumé de l'éditeur]

Comment traduire la danse, la représenter, la transmettre ? Autrement dit, comment apprendre, composer et partager?
La nouvelle publication de Contredanse rassemble des documents inédits d’artistes qui traitent de ces passages : d’une langue à l’autre, d’un médium à l’autre, de la partition à la danse, de la danse à ses témoins. Complétée par des entretiens avec des danseurs, scientifiques et chercheurs mais aussi par des exemples originaux de systèmes de notation et des partitions, elle constitue un outil de réflexion pour la danse et, plus largement, pour la recherche artistique.
La question de l’apprentissage s’inscrit dans le cadre de la création en danse. Les techniques en général peuvent d’ailleurs être considérées comme révélatrices de la capacité créatrice des personnes qui les ont développées, autant de créateurs de partitions singulières, que s’approprie ensuite le danseur ou toute personne désireuse d’accéder à cet état de « conscience corporelle ».[résumé de l'éditeur]

Pendant plus de trois décennies, la grande dame de Wuppertal a exercé son influence sur le monde théâtral, d'abord dans son pays puis, avec un succès grandissant, dans le monde entier. Pina Bausch a incontestablement créé un nouveau style de danse et, au-delà, un genre théâtral inédit : le théâtre dansé. Ce théâtre de sons et d'images appartient à « l'empire des sens ». C'est la raison pour laquelle presque toutes les publications qui étaient consacrées à cette oeuvre réunissaient beaucoup de photos mais disaient peu sur les origines des différentes pièces, donnaient peu d'éclaircissements sur le sens de l'ensemble, son contexte historique et dramaturgique.. Norbert Servos, qui a accompagné Pina Bausch pendant de longues années, tente, pour la première fois, une démarche quasi « encyclopédique ». Il décrit et analyse les pièces une par une et réunit plusieurs interviews avec Pina Bausch dans lesquelles elle s'explique sur son travail.. Illustré par de nombreuses photos de Maarten Vanden Abeele, Francesco Carbone et Gert Weigelt, ce livre est indispensable pour tous ceux qui voudraient comprendre l'oeuvre de Pina Bausch et plus généralement le théâtre de notre époque.

Bliss, épopée d’une création -
Issu de la culture hip hop, le jeune chorégraphe Anthony Egéa décide de créer le spectacle dont il rêve depuis toujours. Un spectacle viscéral sur le monde de la nuit qui puise son inspiration dans l’univers des dance floors. Il sélectionne dix jeunes danseurs de 18 à 32 ans, issus de milieux culturels très différents et qui n’ont jamais dansé ensemble. Le défi qu’il leur lance va profondément transformer leur vie et leur carrière artistique.
Bliss -
L’intégralité de la pièce pour 10 danseurs et 2 musiciens captée sur scène à Bordeaux par une dizaine de caméras qui nous font partager de l’intérieur ce spectacle détonnant. Une pièce qui mêle habilement hip hop, new style, électro et danse contemporaine sur des musiques créées spécialement pour l’occasion par le duo de compositeurs talentueux TRIBOLOGY.
Headphones Breaking : Le clip.