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Quels sont les processus d'élaboration des personnages dans les arts de la scène ? Comment et par quelle alchimies leur esthétique est-elle porteuse de sens ? Des questions auxquelles se propose de répondre cet ouvrage collectif, qui fait dialoguer socio-anthropologie, esthétique et ethnoscénologie. A travers le théâtre, la danse, le cirque, la chanson ou le cinéma, les auteurs s'intéressent au processus de création d'un personnage en lien avec le contexte socio-culturel de l'époque ; aux relations entre personne et personnage ; à la dimension symbolique ; au sens patrimonial de l'élaboration esthétique ; enfin, au spectateur. [résumé de l'éditeur]

Les « zoos humains », symboles oubliés de l'histoire contemporaine, ont été totalement refoulés de notre mémoire collective. Ces exhibitions des « sauvages », aussi bien des « exotiques » que des « monstres », ont pourtant été, en Europe, aux États-Unis et au Japon, une étape majeure du passage progressif d'un racisme scientifique à un racisme populaire. Au carrefour du discours savant, des cultures de masse et de l'intérêt des puissances coloniales, ces exhibitions ont touché un peu moins d'un milliard et demi de visiteurs depuis l'exhibition en Europe de la Vénus hottentote, au début du XIXe siècle. Ces exhibitions, peuplées d'êtres difformes et de personnes en provenance des espaces coloniaux d'Afrique, d'Amérique, d'Océanie ou d'Asie, comme appartenant à un univers de l'anormalité, disparaîtront progressivement avec les années 1930, mais elles avaient fait alors leur oeuvre : bâtir deux humanités. Véritable synthèse et de ouvrage de référence sur la question, rassemblant les meilleurs spécialistes internationaux, cette nouvelle édition de Zoos humains. Au temps des exhibitions humaines (La Découverte, 2002) est entièrement refondue et largement complétée. Fruit de plus de dix ans de recherches, elle paraît à l'occasion de l'exposition « Exhibitions. L'invention du sauvage » organisée au musée du Quai Branly à Paris. [résumé de l'éditeur]

La démarche anthropologique consiste à étudier la manière dont le spectateur peut prendre plaisir au spectacle. En imposant à l'observateur de se prendre lui-même comme objet, de s'inclure dans l'observation, elle permet de donner toute leur importance à la compétence artistique du spectateur, à sa sensibilité personnelle et à son sens de la responsabilité, à son attention aux choses et aux personnes que le spectacle touche. Adopter le point de vue de ce spectateur compétent, qui sait contrôler le plaisir du spectacle, et le transmettre à autrui, c'est rappeler la manière dont les techniques artistiques - la peinture, le théâtre, la danse, l'opéra, le roman, etc. - constituent d'abord des techniques du corps pour l'individu qui y trouve le moyen de cultiver un plaisir artistique, et la force du lien social éphémère que ces techniques permettent de nouer avec autrui. [résumé de l'éditeur.]

Rendre au spectateur confiance en son propre regard, confiance qu'il n'aurait jamais dû perdre, tel est le désir de ce parcours à travers les spectacles et leurs analyses.
Théâtre parlé, mime, danse, danse-théâtre, cinéma et médias audio-visuels, autant de pratiques spectaculaires étroitement associées dont cet ouvrage propose le panorama.
Après une mise au point sur l'état de la recherche et les instruments de la description, l'oeuvre scénique ou filmique est systématiquement radiographiée dans toutes ses dimensions, selon les techniques adaptées à chacune de ses composantes : acteur, voix, musique, espace, temps, costumes, éclairages, etc.
L'analyse se place résolument du côté du récepteur pour en reconstituer la lecture dramaturgique et les réactions conscientes et inconscientes. Le lecteur est conduit d'une analyse purement formelle à une sémiologie et une anthropologie des spectacles, là où le spectateur est autant l'objet de la recherche que l'acteur. [résumé de l'éditeur]

L’acteur est le corps même du spectacle vivant. Il est le muscle, le cœur et le soufle qui donnent vie à ce rite social, étrange et irréel, le jeu dramatique, à travers lequel nous nous regardons exister. Il est en même temps l’héritier des chamanes et magiciens dont l’art, depuis les origines, contribuait à construire et maintenir la cohésion sociale. L’auteur a cherché des réponses à des questions qui passent par le jeu de l’acteur : quelle est sa filiation avec les rites ? quelle est la chaîne des causes qui transformèrent les «jeux scéniques» de l’antiquité en théâtre textuel? et enfin, quel fut, chez les réformistes du siècle passé, le besoin de «remodelage» du comédien, faisant évoluer l’interprète vers l’acteur-créateur, voire vers l’actant de la performance ? [résumé de l'éditeur]

Au mystère de l’âme qui hantait le XIXe siècle s’est substitué le culte d’un corps performant et parfait. La curiosité qui entoure aujourd’hui les écrits des partisans du training de l’acteur n’est à ce titre pas exempte d’équivoques. On y cherche les secrets de fabrication d’un corps-machine, prêt à l’emploi, on s’y satisfait de listes d’exercices. Mais le "vrai" training se reconnaît moins aux litres de sueur versés qu’à sa capacité à préparer l’acteur au "milieu-scène". Les techniques employées ne sont ni uniformes ni constantes, elles s’élaborent souvent dans le cadre d’une pédagogie individualisée conforme à des projets artistiques spécifiques. Le training vise bien sûr à doter le corps de certaines qualités (souplesse, dextérité, endurance…), mais il fournit avant tout une introduction à ce corps grâce à laquelle l’acteur entre dans un processus de conscience et de liberté.
Les contributions ici réunies, venues de divers champs, tentent de repérer les conditions d’un vrai training. [résumé de l'éditeur]