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Digital Storytelling, Applied Theatre, & Youth argues that theatre artists must re-imagine how and why they facilitate performance practices with young people. Rapid globalization and advances in media and technology continue to change the ways that people engage with and understand the world around them. Drawing on pedagogical, aesthetic, and theoretical threads of applied theatre and media practices, this book presents practitioners, scholars, and educators with innovative approaches to devising and performing digital stories.

This book offers the first comprehensive examination of digital storytelling as an applied theatre practice. Alrutz explores how participatory and mediated performance practices can engage the wisdom and experience of youth; build knowledge about self, others and society; and invite dialogue and deliberation with audiences. In doing so, she theorizes digital storytelling as a site of possibility for critical and relational practices, feminist performance pedagogies, and alliance building with young people.

En écho au tout premier titre de la collection sur l’organisation de spectacles, cette nouvelle édition propose d’élargir le champ vers les lieux non dédiés, a priori, au spectacle vivant. Elle permet de préciser dans quels cadres ces événements peuvent ou doivent prendre place : portage ou dimensionnement du projet, législation, accueil et gestion du public, etc.

Cet ouvrage, à l’usage des collectivités, des organisateurs occasionnels et des équipes artistiques est un outil qui donne un ensemble de clefs pratiques sur ces sujets. [résumé de l'éditeur]

Définie à partir du modèle théâtral, la dramaturgie est désormais inscrite et revendiquée au sein d'autres arts scéniques comme la danse, le cirque, ou encore l'opéra. Cet ouvrage se propose donc de l'appréhender de manière extensive et transversale avec l'ambition d'analyser la spécificité de la posture dramaturgique dans tous les arts de la scène, du point de vue de leurs processus de création et en donnant la parole à leur praticiens. [résumé de l'éditeur]

Rendre au spectateur confiance en son propre regard, confiance qu'il n'aurait jamais dû perdre, tel est le désir de ce parcours à travers les spectacles et leurs analyses.
Théâtre parlé, mime, danse, danse-théâtre, cinéma et médias audio-visuels, autant de pratiques spectaculaires étroitement associées dont cet ouvrage propose le panorama.
Après une mise au point sur l'état de la recherche et les instruments de la description, l'oeuvre scénique ou filmique est systématiquement radiographiée dans toutes ses dimensions, selon les techniques adaptées à chacune de ses composantes : acteur, voix, musique, espace, temps, costumes, éclairages, etc.
L'analyse se place résolument du côté du récepteur pour en reconstituer la lecture dramaturgique et les réactions conscientes et inconscientes. Le lecteur est conduit d'une analyse purement formelle à une sémiologie et une anthropologie des spectacles, là où le spectateur est autant l'objet de la recherche que l'acteur. [résumé de l'éditeur]

Dans la recherche théâtrale contemporaine, le jeu s'est libéré du cadre à l'italienne et la diversité des essais, des salles à proscénium avancé, polyvalentes ou autres, exige maintenant une réflexion qui fait l'objet de La scène centrale. L'analyse s'attache à l'émergence du théâtre en rond dans la quête d'un nouvel espace théâtral. Elle s'applique à l'examen esthétique de l'espace scénique et de l'espace-temps, de l'illusion et de la participation dans le « rond ». Analyse minutieuse fondée sur une expérience et qui conduit aux questions de métier, aussi bien aux problèmes de la mise en jeu et de la direction de l'acteur sur la scène centrale qu'à ceux de l'éclairage. [Résumé de l'éditeur]