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La modernité a inventé de nouvelles subjectivités grâce notamment à un changement profond de sa conception de la corporéité. Le corps, lieu de projection de l'identité personnelle, a été la fabrique de l'identité moderne. Entre l'écriture dramatique et l'écriture scénique, la force d'apparition prise par le corps de l'acteur au début du XXe siècle a été un événement essentiel. Aujourd'hui, les enjeux liés à cette prédominance de la pensée du corps en scène et de son émancipation dans la représentation sont vastes et complexes. Le corps, tel qu'il est questionné dans cet ouvrage, tient à la fois du corps visible et de l'invisible qui, comme son ombre, l'accompagne. Dans une perspective pluridisciplinaire, à la croisée des arts du théâtre, de la danse, du mime, du cirque, de la marionnette, nous souhaitons interroger dans cet ouvrage le corps prismatique de l'acteur-performeur, entre organicité et artifice, plasticité et insoumission, fêlure et énigme. Un corps qui ouvre un au-delà du sens et du sensible, et rayonne à partir du mystère de l'en-dedans. [résumé de l'éditeur]

Imaginative Bodies contains a series of in-depth conversations with dancers and choreographers, composers, visual artists, hip hop artists, dramaturgs, a lighting designer, and a puppeteer. The overall theme is defined by the body, both in relation to the place it takes in the artist’s work, and in relation to wider debates on the body in philosophy, science, medicine, anthropology, and the arts. Depending on the affinities of the artist, a more specific theme has been defined for each dialogue, ranging from poetics to politics, from mythology to ecology, from intercultural studies to conflict management. The associative chains of thoughts of these talks give an intimate insight into the creative process, inspirations, sources, identity, and ways of collaborating. It is through the sentient body that we experience, know and imagine. Imaginative Bodies reaffirms the central position of the body in many artistic practices. [editor summary]

Black performance theory is a rich interdisciplinary area of study and critical method. This collection of new essays by some of its pioneering thinkers--many of whom are performers--demonstrates the breadth, depth, innovation, and critical value of black performance theory. Considering how blackness is imagined in and through performance, the contributors address topics including flight as a persistent theme in African American aesthetics, the circulation of minstrel tropes in Liverpool and in Afro-Mexican settlements in Oaxaca, and the reach of hip-hop politics as people around the world embrace the music and dance. They examine the work of contemporary choreographers Ronald K. Brown and Reggie Wilson, the ways that African American playwrights translated the theatricality of lynching to the stage, the ecstatic music of Little Richard, and Michael Jackson's performance in the documentary This Is It. The collection includes several essays that exemplify the performative capacity of writing, as well as discussion of a project that re-creates seminal hip-hop album covers through tableaux vivants. Whether deliberating on the tragic mulatta, the trickster figure Anansi, or the sonic futurism of Nina Simone and Adrienne Kennedy, the essays in this collection signal the vast untapped critical and creative resources of black performance theory. [editor summary]

Les dramaturgies contemporaines se passionnent pour le corps, les corps. Les « passions du corps », au sens étymologique de « souffrances », désignent ainsi tout ce qui porte atteinte à l’intégrité du corps, tous les flux, forces ou émotions qui l’écartent de lui-même, l’arrachent à la fiction de l’identité entendue comme pure intériorité. Enfin, le terme « passions » fait évidemment référence au paradigme christique, et à la Passion comme forme théâtrale d’origine médiévale. Les dramaturgies contemporaines s’intéressent plus particulièrement au moment iconique de la Passion, celui de l’agonie du Christ en croix. Là où le théâtre de tradition aristotélicienne tend à occulter le corps en l’instrumentalisant comme support du logos, le théâtre de la Passion est tout entier tourné vers la monstration du corps agonisant. A la suite d’Artaud, les dramaturgies contemporaines font retour vers un théâtre sacrificiel, renouant ainsi avec les origines cultuelles du théâtre. [résumé de l'éditeur]

Les « zoos humains », symboles oubliés de l'histoire contemporaine, ont été totalement refoulés de notre mémoire collective. Ces exhibitions des « sauvages », aussi bien des « exotiques » que des « monstres », ont pourtant été, en Europe, aux États-Unis et au Japon, une étape majeure du passage progressif d'un racisme scientifique à un racisme populaire. Au carrefour du discours savant, des cultures de masse et de l'intérêt des puissances coloniales, ces exhibitions ont touché un peu moins d'un milliard et demi de visiteurs depuis l'exhibition en Europe de la Vénus hottentote, au début du XIXe siècle. Ces exhibitions, peuplées d'êtres difformes et de personnes en provenance des espaces coloniaux d'Afrique, d'Amérique, d'Océanie ou d'Asie, comme appartenant à un univers de l'anormalité, disparaîtront progressivement avec les années 1930, mais elles avaient fait alors leur oeuvre : bâtir deux humanités. Véritable synthèse et de ouvrage de référence sur la question, rassemblant les meilleurs spécialistes internationaux, cette nouvelle édition de Zoos humains. Au temps des exhibitions humaines (La Découverte, 2002) est entièrement refondue et largement complétée. Fruit de plus de dix ans de recherches, elle paraît à l'occasion de l'exposition « Exhibitions. L'invention du sauvage » organisée au musée du Quai Branly à Paris. [résumé de l'éditeur]

Guy-Claude François, Yannis Kokkos, Richard Peduzzi : ces trois noms à eux-seuls pourraient servir de symbole pour rendre compte de ce volume. Leur parcours est représentatif d’un mouvement profond, celui de la scénographie tout entière. Bouleversements théoriques, pratiques, esthétiques, hybridations entre les arts, révolutions dans le rapport au public, mutations de notre rapport sensible à l’espace : tous ces chamboulements donnent son sens à cet ouvrage qui, par le texte et par l’image, noue analyse générale et approches singulières, prise de champ historique et regard immédiatement contemporain. Il se pourrait bien que cette traversée ouvre des perspectives sur la situation du théâtre lui-même et, plus largement encore, sur la sphère spectaculaire dans son ensemble. [résumé de l'éditeur]

La création artistique est aujourd'hui profondément marquée par le développement accéléré de ce que l'on nomme les nouvelles technologies (de la vidéo au numérique). De nombreux artistes s'approprient les possibilités inédites que celui-ci leur offre pour développer leurs intentions esthétiques et renouveler leurs pratiques artistiques. En évoquant différents arts, les textes rassemblés ici interrogent quelques enjeux soulevés par les liaisons, parfois dangereuses, qu'entretiennent ces arts au risque des nouvelles technologies. [résumé de l'éditeur]

La démarche anthropologique consiste à étudier la manière dont le spectateur peut prendre plaisir au spectacle. En imposant à l'observateur de se prendre lui-même comme objet, de s'inclure dans l'observation, elle permet de donner toute leur importance à la compétence artistique du spectateur, à sa sensibilité personnelle et à son sens de la responsabilité, à son attention aux choses et aux personnes que le spectacle touche. Adopter le point de vue de ce spectateur compétent, qui sait contrôler le plaisir du spectacle, et le transmettre à autrui, c'est rappeler la manière dont les techniques artistiques - la peinture, le théâtre, la danse, l'opéra, le roman, etc. - constituent d'abord des techniques du corps pour l'individu qui y trouve le moyen de cultiver un plaisir artistique, et la force du lien social éphémère que ces techniques permettent de nouer avec autrui. [résumé de l'éditeur.]

Partant du thème de la relation de l’homme aux animaux, acteurs et danseurs cherchent, au fil des improvisations, et Fabre avec eux, le chemin qui les mènera à la perfection d’un spectacle nécessaire. Journal de bord, photos, conversations n’en finissent pas de déployer devant nous la richesse du programme : « Abattre le mur du monde civilisé. » « Nous vivons dans une société qui oppresse continuellement les instincts, ce qui engendre des personnes hautement responsables et insensibles qui deviennent psychopathes. J'essaie de démontrer ce dont nous nous dépossédons au détriment d’un pouvoir qui s’est enraciné en nous. Je pense que ce pouvoir se révèle bien plus violent que nos penchants obscurs. » [résumé de l'éditeur]

Au mystère de l’âme qui hantait le XIXe siècle s’est substitué le culte d’un corps performant et parfait. La curiosité qui entoure aujourd’hui les écrits des partisans du training de l’acteur n’est à ce titre pas exempte d’équivoques. On y cherche les secrets de fabrication d’un corps-machine, prêt à l’emploi, on s’y satisfait de listes d’exercices. Mais le "vrai" training se reconnaît moins aux litres de sueur versés qu’à sa capacité à préparer l’acteur au "milieu-scène". Les techniques employées ne sont ni uniformes ni constantes, elles s’élaborent souvent dans le cadre d’une pédagogie individualisée conforme à des projets artistiques spécifiques. Le training vise bien sûr à doter le corps de certaines qualités (souplesse, dextérité, endurance…), mais il fournit avant tout une introduction à ce corps grâce à laquelle l’acteur entre dans un processus de conscience et de liberté.
Les contributions ici réunies, venues de divers champs, tentent de repérer les conditions d’un vrai training. [résumé de l'éditeur]

La légèreté semble être devenue, insidieusement, l’objet d’un nouveau culte, propre à renouveler notre mythologie. Le light se vend bien. la légèreté fait rêver et bien au-delà de ce qu’elle nous promet… le « plaisir sans le mal ». L’aspiration nostalgique à la légèreté n’est pas nouvelle ; elle est contemporaine de la chute. De Socrate à Nietzsche, en passant par Thérèse d’Avila et Don Juan, elle n’a cessé de nous fasciner. Mais il semble qu’aujourd’hui le rêve se soit enfin matérialisé par la grâce de la technique : nouvelle cuisine, nouveau corps, nouvel habitat, nouvelles valeurs, nouveaux modes de rencontres et de loisirs, nouveaux sports,nouveaux métiers. Et dans le même temps où la matière s’allège, au point de s’immatérialiser, nous avons changé de manière d’être, d’aimer, de vouloir, de croire. L’état d’apesanteur psychique auquel nous donnent accès toutes les formes d’ivresse, d’oubli, de zapping et de scepticisme, s’est constitué comme nouvel idéal, en même temps qu’il s’avère à certains « insoutenable ». car le projet de perdre du poids n’est pas sans ambiguïté. Quand tout cesse d’être grave, le sujet lui-même se trouve exposé au risque de la dissolution. Les références à la philosophie, mais aussi à la musique, au cirque, à la danse, à l’architecture, à l’écriture, à l’humour, au libertinage nous conduisent à penser que la « bonne » légèreté n’est ni oubli ni déni de la pesanteur, mais mise en œuvre des forces d’élévation en vue de la constitution d’un contre-poids. La légèreté dont nous souffrons aujourd’hui apparaît comme le symptôme d’un manque de poids. résumé de l'éditeur]

Dans un contexte d’émergence de pratiques individuelles reposant sur la singularité artistique, que dit le théâtre québécois actuel ? De quoi cause-t-il s’il n’est plus forcément lié à une cause ? Quel est le nouveau discours de ses artisans ? Notre collectif entend préciser quelles sphères du privé et du public les discours du théâtre québécois contemporain s’approprient, tout en tentant de comprendre l’évolution de ses discours à une époque où les arts de la scène oscillent entre « écritures du plateau » et retour en force de l’auteur dramatique au-devant de la scène. Le présent ouvrage propose ainsi une réflexion sur les jeux de positions du théâtre québécois, des jeux qui reposent parfois sur des effets de mode, parfois sur des pratiques ou des conditions de production particulières, voire des enjeux critiques et sociaux souvent peu explicités. Ces constants déplacements invitent à reconsidérer les pratiques et les discours de ce théâtre d’un autre oeil, afin de comprendre ses orientations et les éventuelles impasses dans lequel il peut s’engager. [résumé de l'éditeur]