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Considérée comme l’une des artistes les plus prolifiques et novatrices de la période de l’après-guerre, l'artiste cubano-américaine Ana Mendieta (1948-1985) a développé une pratique bousculant les cadres admis de la photographie, du film, de la vidéo, du dessin, de la sculpture et de l'installation. Parmi les thèmes majeurs de son travail figurent l'exil, le déplacement et le paysage. Elle est notamment connue pour la série des Siluetas, œuvres hybrides mettant en scène l'empreinte du corps de l'artiste dans la nature.

L'ouvrage offre une vue d'ensemble de sa filmographie, composée de 104 films réalisés entre 1971 et 1981, à travers une série d'essais inédits et un ensemble iconographique tiré des vingt films. [résumé de l'éditeur]

Pour explorer les liens entre techniques de corps, techniques de représentation et techniques de connaissance, un certain nombre de pratiques artistiques contemporaines (performances, vidéos) sont revisitées par l'entremise d'une confrontation à d'autres disciplines, physiques et filmiques, sportives et burlesques. Cet élargissement du champ d'investigation permet, en particulier, de moins interroger les techniques dans leur effectivité ordinaire qu'à partir de leurs moments décisifs : instants « t » de l'invention, ou de la soudaine obsolescence, points de bascule d'une incompétence en compétence, de l'illégalité à la légalité. [résumé de l'éditeur]

L’artiste Abraham Poincheval a fait un voyage. Ce voyage l’a mené de Digne à Caraglio, en Italie. En quatre étapes (une par saison), il a poussé devant lui, sur ce chemin accidenté, son « gyrovague », une capsule cylindrique en tôle de 70 kg, capsule qui lui a servi à la fois d’abri, de véhicule, de miroir du monde et, finalement, d’oeuvre. Sur sa route, l’artiste pousseur a fait des rencontres, croisé des hommes, des femmes, des enfants, des animaux, des monstres et fait des expériences. Lorsqu’il se trouve « ici, loin de tout », il n’est jamais plus près de son but, celui de l’authentique voyage, qui est rituel de vie. Son pèlerinage (Johannes Geiler von Kaisersberg n’aurait rien à redire sur ce point) le mène au coeur des choses et des êtres, dans un dépouillement qui laisse ici sa trace.
Ce livre rend compte de cette aventure, à travers le journal de marche de l’artiste (plein d’humour, d’intuitions et de générosité) et de ses photographies. L’âpreté de l’effort, la beauté sidérante de la nature, les sculptures que Poincheval réalisa, ensuite, avec des objets glanés lors de son périple, tout ces éléments se conjuguent sous nos yeux pour nous permettre de lire en eux le sens profond de cet acte artistique, qui est tout à la fois « performance » (effort physique, acte de volonté), sculpture et récit, mise en forme esthétique du déplacement sous la forme de l’imprimé.
Le texte distancié et érudit de la philosophe Céline Flécheux apporte un contrepoint utile à ce récit brut et poétique, à cette documentation nécessairement lacunaire, et nous ouvre de nombreuses perspectives pour mieux voir ce voyage invisible.
[résumé de l'éditeur]

Essai qui interroge l’avenir de l’écriture théâtrale au sein d’une scène contemporaine de plus en plus dominée par l’improvisation et le travail collectif et définit la notion de performance scénique et propose une réflexion passionnante sur l’essence même de la théâtralité. En s’appuyant sur des exemples théoriques et scéniques l’auteur propose une analyse complexe de la scène théâtrale moderne. Il dessine avec précision les contours des différents courants et ouvre ainsi les perspectives de nouvelles formes de dramaticité. [résumé de l’éditeur]

This collection surveys the choreographic turn in the artistic imagination from the 1950s onwards, and in doing so outlines the philosophies of movement instrumental to the development of experimental dance. By introducing and discussing the concepts of embodiment and corporeality, choreopolitics, and the notion of dance in an expanded field, Dance establishes the aesthetics and politics of dance as a major impetus in contemporary culture. It offers testimonies and writings by influential visual artists whose work has taken inspiration from dance and choreography. [editor summary]

Dominique Rey is a photographer, painter, and performance artist whose work is marked by a fascination with the marginal figure. This publication documents two new series, one photographic and the other pictoral. In Erlking, Rey takes on a host of personas linked to the German and Scandinavian mythical creature that lures foolish travelers to their death. Drawing from psychoanalysis and the literay works of Angela Carter, Rey invokes personas in flux. Her painting series Pilgrims shows the influence of her involvement as a performer and attests to the intimate knowledge and experience she invests in her work. Recalling sideshow circus ‘freaks’ and 1950s burlesque, Pilgrims, explores notions of the ‘unbeautiful’ and how the unbeautiful becomes permissible, and even desirable, under the guise of performance and public display. Alterity is a central facet of Rey’s practice. She chooses not to simply document, but to immerse herself within these peripheral cultures.

This book delineates a territory of investigation for sound art and its various manifestations through historical, theoretical, polemical and critical analyses of artistic, musical and literary works. In doing so, Migone gives radical definition to an auditory study that includes the complexity of silence and mutism, identity and abjecthood, and language and its stutterances. The recurring site of these stagings is the somatic under all its forms: embodied and disembodied, fragmented and amplified, vocal and mute. [editor summary]

Les nouvelles technologies contribuent à l’évolution des langages scéniques, modifiant les conditions de représentation et intensifiant les effets de présence et les effets de réel. Projections, installations interactives, environnements immersifs, spectacles sur la toile, les sens(ations) sont plus que jamais sollicité(e)s. Le performeur y est confronté à un Autre virtuel, à la fois personnage et partenaire. Quant au corps, il constitue encore la trace incontestée de l’homme dans ces espaces où la déréalisation fait loi. Contre-point d’une culture du virtuel, le corps semble rester au cœur des dispositifs (scénique, interactif, immersif). [résumé de l'éditeur]

This is Performance Art is a detailed exploration of artist Mel Brimfield’s practice in which she works with dancers, musicians, comedians and theatre makers in an exploration of twentieth century performance art.

Mel Brimfield researches the historiography of performance art that feeds into her work, and uses humour and storytelling to explore and skew our understanding of the pieces.

The book features meticulously drawn and painted posters and programmes for fictional interdisciplinary cabarets—together with costumes and props—which are produced alongside documentary style films and live works that playfully associate performance art with most significant cultural developments of the last 100 years. Low-end showbiz memoirs, sensationalist biographical documentaries and cheap-to-make TV clip programmes compiling lists of ‘The 100 Top/Best/Greatest...’ are referenced in the work alongside formal museological displays of performance ephemera and documentation.

This is Performance Art is a must-have for art students and anyone with an interest in performance art, collaborative and contemporary art. [editor summary]

« Matériaux divers », c’est tout à la fois un spectacle, une compagnie et un festival, créés et dirigés par l’un des chorégraphes les plus singuliers de la scène européenne, le Portugais Tiago Guedes. Cette expression fait parfaitement écho à son travail où danse, performance, musique et arts visuels se mêlent de manière inédite.

Le critique Tiago Bartolomeu Costa retrace dans cet ouvrage les temps forts de la carrière de Tiago Guedes et met en lumière les nouveaux espaces de signification ouverts par cette œuvre protéiforme.

Move. Choreographing You explores the interaction between visual art and dance since the 1960s. This beautifully illustrated book, published in connection with a major exhibition, focuses on visual artists and choreographers who create sculptures and installations that direct the movements of audiences--making them dancers and active participants. Move shows that choreography is not merely about the notation of movement on paper or in film but about the ways the body inhabits sculpture and installations. [editor summary]

Sophie Delpeux est aujourd’hui l’une des meilleures spécialistes de cet art des années 1960-1980 qui engage le corps : performance, happening, actionnisme, etc. Loin des stéréotypes, elle revient sur l’importance, au sein de ces pratiques performatives, du « geste photographique ». Elle interroge son statut ambivalent, ou parfois hybride, entre œuvre ou document, tout en étudiant les genres divers auxquels ces images empruntent – de la peinture à l’iconographie de presse, en passant par la réclame. À travers l’analyse
de ces œuvres qui ont bouleversé l’ordre classique de la représentation, Sophie Delpeux saisit l’idéologie d’une époque, ses mythologies et des bribes de son histoire. [résumé de l'éditeur]

Ai Weiwei's work is an audacious blend of old and new, Western and Eastern, serious and irreverent. He has translated the readymade into a new artistic language, fusing neolithic pottery, fourteenth-century doors and seventeenth-century temple beams into surprising, at times shocking sculptures. He has documented his disdain for authority by giving the finger to the Tiananmen in Beijing, the Reichstag in Berlin and the White House in Washington. And he has captured the mundane urban sprawl of his home city in a 150-hour video (Beijing 2003) that even dwarfs Andy Warhol's notorious eight-hour Empire. What marks Ai as a truly twenty-first-century artist is precisely this multiplicity of roles: not just artist, designer and architect, but also curator, publisher, Web blogger and compass for an entire generation of Beijing artists. His outsize public persona is an integral part of his art. Although his outspoken views have brought him unwanted attention from the State, they have also generated excitement far beyond China's borders. Karen Smith's Survey traces the artist's remarkable career from his early days in Beijing to his discovery of the Western avant-garde in New York and his recent emergence as a celebrated sculptor and architect. In the Interview Hans Ulrich Obrist discusses with the artist his father's artistic training and subsequent exile and the effects they had on his own views on art and authority. Bernard Fibicher's Focus looks at the monumental light sculpture Descending Light (2007). Artist's Choice features a poem by Ai Qing, one of China's most important twentieth-century writers. Artist's Writings include entries from Ai's blog, seen by millions of visitors each year and celebrated for its thoughtful and candid remarks on the subjects of art, politics and culture. [editor summary]

Instead of treating art as a unique creation that requires reason and refined taste to appreciate, Elizabeth Grosz argues that art-especially architecture, music, and painting-is born from the disruptive forces of sexual selection. She approaches art as a form of erotic expression connecting sensory richness with primal desire, and in doing so, finds that the meaning of art comes from the intensities and sensations it inspires, not just its intention and aesthetic.

First published in 1979, now extensively updated and expanded, this pioneering book has been supplemented by the definitive account of the current technological, political and aesthetic shifts in performance art that mark its transition to the twenty-first century. Performance art is now at the forefront of current art. An astonishing increase in the number of works and venues around the world testifies to this art form as the chosen medium for articulating 'difference' whether dealing with issues of identity, multiculturalism or globalism. The desire for direct engagement with today's most prominent artists explains the wide appeal of performance art to the ever broader audience for new art in the museums. Mariko Mori, Paul McCarthy, and Matthew Barney, as well as the groups Forced Entertainment and Desperate Optimists, among many others, can now be seen in the historical context of other innovators in the field from the Dadaists to Laurie Anderson. [editor summary]