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A fun and fabulous take on the art of making mistakes. Erik Kessels celebrates imperfection and failure and shows why they are an essential part of the creative process.

Failed it! celebrates the power of mistakes and shows how they can enrich the creative process. This is part photobook and part guide to loosening up and making mistakes to take the fear out of failure and encourage experimentation.

It showcases the best and most hilarious examples of imperfection and failure across a broad range of creative forms, including art, design, photography, architecture and product design, to inspire and encourage creatives to embrace and celebrate their mistakes.

We live in an era when everyone is striving for perfection and we have become afraid of failure, which limits our potential. Mistakes help us find new ways of thinking and innovative solutions, and failures can change our perceptions and open up new ways of looking things. This book transforms mistakes from something to be embarrassed about into a cause for celebration.

It includes over 150 visual examples drawn from Kessels personal collection of artworks and found photographs, along with tips, quotes, anecdotes and wisdom for celebrating with failure. To quote Kessels: 'the ubiquity of Apple + Z, means that we can literally undo any mistake before it has had time to breathe, be considered and - perhaps - evolve into something else: a fascinating, strange, provocative or even original piece of work. This book asks readers to embrace their fuck-ups, learn from them and celebrate their tawdry glory'.

Dans ce manifeste résolument moderne et optimiste, Valérie Belmokhtar invite chacun à laisser entrer la création dans sa vie.

Que ce soit pour en faire une pratique professionnelle, pour s'y consacrer plusieurs heures par jour, ou bien pour lui donner une petite place dans sa vie, la création est une rencontre avec soi-même. Elle permet de sortir de « l'avoir » pour entrer dans « l'être », elle nous fait grandir et nous amène à plus de partage avec les autres. Un programme réjouissant et libérateur !

À partir de son expérience d'artiste et d'enseignante, l'auteure guide son lecteur sur les chemins de la création. Depuis la question de l'inspiration et de la confiance en soi jusqu'aux problématiques matérielles (installation d'un atelier, facturation de son travail...), en passant par les différentes méthodes créatives, Valérie Belmokhtar nous accompagne pas à pas tout au long de ce passionnant voyage. [résumé de l'éditeur]

Ils sont parmi les plus grands créateurs contemporains. Ils imaginent, dessinent, conçoivent. Ecrivain, architecte, comédien... Créer vous invite dans le secret de leur atelier. Comment Denis Podalydès appréhende-t-il un personnage ? Où Amélie Nothomb puise-t-elle la source de son écriture ? De quelle façon Jean Nouvel projette-il une forme dans l'espace ?. Tout au long de ces sept entretiens, on s'immerge dans leur univers et leur art. Pour comprendre, mais aussi s'inspirer et enrichir sa propre créativité. « Écrire se fait à deux » dit Maylis de Kerangal, invitant le lecteur de ces pages à une aventure rare.

Visual artist' is a term with untold interpretations, nuances, variations and meanings. But how, as an artist (or designer, photographer, or other independent creator), do you become who you are and who you would like to be?0What fundamental questions, characteristics, dilemmas, ambitions, restrictions and realities play a part? How, as an artist, can you guide your artistic practice, the main criterion being to answer the question: "where do I stand and what do I stand for?



Invites the artist to reach considerations, often based on analytical models, that will help to determine his/her position. The author knows from practical experience the complexity of the artist's questions and dilemmas, the many areas in which the artist is involved and how important self-reflection and self-determination are. He has scrutinized his considerations and, assembled notes-based on many interviews with a wide variety of artists-assimilating them into an appealing book in which terminology, background and questions requiring reflection form a cohesive whole.
This reflective book is intended for artists and those who wish to become artists, as well as anyone who works with artists. The book does not provide 'recipes' or simple solutions, but delves into the very fibre of the artist's profession, and invites the reader to explore a sustainable artistic practice.

Jonathan Burrows écrit ce livre comme il chorégraphie une danse, avec l’intention de révéler les activités et questionnements que partagent les chorégraphes dans leur pratique. L’auteur interroge les motivations à créer un spectacle, les choix de composition, le rôle de l’humour, la virtuosité, la gestion des contraintes du marché… En prônant l’art de la question, le danseur-chorégraphe anglais invite le lecteur à trouver son propre chemin et processus esthétique, tout en faisant découvrir la richesse et la complexité de l’activité chorégraphique.

Septembre 1939, la guerre vient d’éclater en Europe. Igor Strawinsky s’embarque pour New York. Nommé titulaire de l’illustre chaire de poétique de l’université Harvard (occupée entre autres par T.S. Eliot), le compositeur va y donner une série de six conférences regroupées sous le titre de Poétique musicale et dans lesquelles il développe ses idées sur la création musicale. Compositeur rigoureux, Strawinsky pense la musique en philosophe et la juge parfois en polémiste – comme dans cette leçon sur la musique russe que son premier éditeur en France jugea bon de supprimer. Myriam Soumagnac propose ici une édition complète de ce texte demeuré longtemps introuvable et livre un travail inédit sur la genèse de ces leçons et le rôle joué dans leur élaboration par le collaborateur privilégié de Strawinsky que fut Roland-Manuel. [résumé de l'éditeur]

Art history is traditionally presented as the individual's lone struggle for self-expression, yet over the past fifty years, there has been a notable increase in the number of artists making work collaboratively. Co-Art : Artists on Creative Collaboration explores this phenomenon through engaging and candid conversations with leading artist duos and collectives, who offer their insight into how to work creatively and effectively with others.

The twenty-five co-art groups featured in this book were selected to offer a wide range of formats and approaches to art-making. Their relationships range from family to romantic couples, childhood friends to art-school peers, and purely professional associations. They are located internationally— from Europe to the Americas, as well as in India, Japan, Vietnam, and the Middle East. The book is organized chronologically in relation to the start dates of their collaborations. [editor summary]

Discours, réflexions et documents sur l'art performatif et chorégraphique contemporain.
Avec l'enjeu d'œuvrer le multiple, l'ouvert et le fragile, ce livre s'avance comme les gestes, les corps et les performances en arts qu'il travaille. Protéiforme, éclaté, intense, il prolonge les processus d'expérimentations, de débats, de réflexions et de découvertes qu'ont menés entre 2011 et 2014 plus de cent-cinquante artistes, chercheurs, critiques et acteurs culturels au sein du Diplôme universitaire Art, danse et performance, formation continue expérimentale de l'université de Franche-Comté.
Agencé dans une «carte» de quarante «mots» surgissant des gestes, des corps, des espaces et des temps à l'œuvre dans les performances en arts, l'ouvrage collectif rassemble plus de quarante artistes, théoriciens, critiques, curateurs, chorégraphes et performers, autant issus des arts plastiques, de l'art performance, de la poésie sonore, de la danse et du théâtre. S'y livre en éclats une hétérogénéité de discours, de réflexions et de documents: textes théoriques, textes d'artistes, essais, entretiens, carnets de recherche, transcriptions, traductions, scripts, partitions, schémas, images... Une mine où chacun est invité à puiser ses pépites jusque dans l'intervalle des pages.

Ce guide indispensable porte un regard amusé et amusant sur l’art de faire des erreurs.

Erik Kessels célèbre l’imperfection et le ratage et montre en quoi ils constituent des étapes essentielles dans le processus créatif.

Il présente les exemples les plus savoureux de « ratages » dans la photographie, les arts plastiques, le design et l’architecture.

Avec ce livre passionnant et richement illustré, les créateurs, les étudiants et les jeunes professionnels ne redouteront plus de « rater » et pourront expérimenter sans retenue. Avec plus de 100 images provenant de la collection personnelle de photographies de Kessels ainsi que d’oeuvres d’artistes, de photographes et de designers internationaux que les « ratages » ont inspiré.

Pimenté de textes vivants et humoristiques, de conseils, de citations et d’anecdotes, qui incitent à porter un regard plein de mansuétude sur le « ratage . [résumé de l'éditeur]

Un guide incontournable non seulement pour les étudiants et les jeunes professionnels, mais aussi pour tout lecteur en quête d’idées créatives.

Au fil des chapitres, cet ouvrage présente différentes méthodes et de nombreux exercices pour trouver et développer de bonnes idées : retomber en enfance, bouleverser les acquis, solliciter la nature, improviser…

Avec de nombreux exemples de concepts innovants dans tous les domaines créatifs : graphisme, publicité, photographie, illustration, architecture, design de produits, design d’intérieur, design industriel, animation, design numérique, design automobile, peinture et mode. [résumé de l'éditeur]

Entrez, entrez mesdames et messieurs ! Ouvrez ce livre et vous découvrirez l'alchimie merveilleuse qui amène un humain, en apparence comme les autres, à sortir du cercle pour devenir un de ceux qui animent le monde. Pour oser être clown, il faut assumer en soi-même le côtoiement du rire et du drame, il faut savoir danser sur la ligne des crêtes, entre rire et tragédie, et choisir l'arme du rire pour lutter contre le désespoir.
Ce livre est fascinant car il nous fait parcourir pas à pas le chemin mystérieux, tortueux parfois, douloureux souvent, qui a mené une petite fille trop sensible, trop intelligente, trop hors du moule et pas assez jolie à son goût, vers son clown. Vers cette Emma qui piaffait, cachée en elle.
Meriem Menant décrit son cheminement avec une simplicité pleine de candeur, qualité trop méconnue. C'est un cadeau rare qu'elle nous fait. [résumé de l'éditeur]

Ce livre est un déclencheur d'expériences, une invitation à sortir des habitudes quoditiennes et culturelles: d'abord, à partir du corps et de ses mouvements intérieurs, pour ensuite s'ouvrir à l'espace, aux sons, aux objets, aux autres.

Chaque page propose une exploration, une rencontre avec l'imprévu. Les auteurs, Miranda Tufnell et Chris Crickmay, invitent à observer les paramètres de chaque situation, à découvrir quelles sont les ressources à disposition et à définir les processus de création, personnels et collectifs, pour mettre un projet en mouvement.

Abondamment illustré d'oeuvres d'artistes ayant marqué l'histoire de la danse, de la peinture, de la littérature, du théâtre et de la photographie, ce livre stimule l'imagination et invite à l'action. À la croisée de la danse et des autres arts, "Corps, Espace, Image" est un outil de travail, une source d'inspiration, un compagnon de voyage, qui s'adresse à tous, de l'amateur au spécialiste.

Artists increasingly refer to “post-object-based” work while theorists engage with material artifacts in culture. A focus on “object-based” learning treats objects as vectors for dialogue across disciplines. Virtual imaging enables the object to be abstracted or circumvented, while immaterial forms of labor challenge materialist theories. This anthology surveys such reappraisals of what constitutes the “objectness” of production, with art as its focus.

Among the topics it examines are the relation of the object to subjectivity; distinctions between objects and things; the significance of the object’s transition from inert mass to tool or artifact; and the meanings of the everyday in the found object, repetition in the replicated or multiple object, loss in the absent object, and abjection in the formless or degraded object. It also explores artistic positions that are anti-object; theories of the experimental, liminal or mental object; and the role of objects in performance. The object becomes a prism through which to reread contemporary art and better understand its recent past. [editor summary]

Creative block presents the most crippling—and unfortunately universal—challenge for artists. No longer! This chunky blockbuster of a book is chock-full of solutions for overcoming all manner of artistic impediment. The blogger behind The Jealous Curator interviews 50 successful international artists working in different mediums and mines their insights on how to conquer self-doubt, stay motivated, and get new ideas to flow. Each artist offers a tried-and-true exercise—from road trips to 30-day challenges to cataloging the medicine cabinet— that will kick-start the creative process. Abundantly visual with more than 300 images showcasing these artists’ resulting work, Creative Block is a vital ally to students, artists, and creative professionals. [editor summary]

Créativité est le nouveau manifeste d’un maître de l’impossible sur le processus créatif. Bien avant 1974 et son épique traversée entre les Twin Towers du World Trade Center, Philippe Petit se consacrait corps et âme aux exigences de son art – sur la corde raide, mais aussi en tant que magicien, jongleur de rue, artiste visuel, conférencier et écrivain. Il nous livre dans cet ouvrage illustré de sa main sa grammaire de la créativité. Très tôt, Philippe Petit se découvre hors-la-loi, poète, et cultive la rébellion intellectuelle pour créer des instants éphémères qui réjouissent et inspirent. La créativité, c’est l’illégalité devient sa devise. Mais qui dit illégalité ne dit pas absence de méthodologie. Le processus de création, contrairement aux idées reçues, n’est en rien une succession d’actions aléatoires. Il est aff aire d’organisation, de planifi cation, de préméditation. S’appuyant sur sa conception inédite de l’initiative artistique, Philippe Petit révèle dans ce manuel des voies non conventionnelles pour aller au bout du processus créatif et réussir son “coup” : le passage à l’acte créatif. Il fait du lecteur son apprenti, un complice invité à découvrir, explorer et maîtriser le périmètre de son propre “crime” intellectuel ou artistique. Il décrit la manière la plus sûre de faire évoluer son projet de l’inspiration à la parfaite exécution, et livre en chemin ses découvertes sur les bienfaits de la ténacité, de l’observation comme source du savoir, de l’intuition comme source d’énergie. Avec habileté, il invoque les qualités cachées au fond de chacun de nous, qualités que nous sommes rarement encouragés à exploiter et qui sont pourtant essentielles à notre accomplissement. Ce processus créatif non conformiste et insubordonné, qu’il partage avec enthousiasme et irrévérence, inspirera celles et ceux qui luttent pour réaliser leur rêve. [résumé de l'éditeur]

In the vein of The Creative Habit and The Artist's Way, a new manifesto on the creative process from a master of the impossible. Since well before his epic 1974 walk between the Twin Towers of the World Trade Center, Philippe Petit had become an artist who answered first and foremost to the demands of his craft-not only on the high wire, but also as a magician, street juggler, visual artist, builder, and writer. A born rebel like many creative people, he was from an early age a voracious learner who taught himself, cultivating the attitudes, resources, and techniques to tackle even seemingly impossible feats. His outlaw sensibility spawned a unique approach to the creative process-an approach he shares, with characteristic enthusiasm, irreverence, and originality in Creativity: The Perfect Crime. Making the reader his accomplice, Petit reveals new and unconventional ways of going about the artistic endeavor, from generating and shaping ideas to practicing and problem-solving to pulling off the "coup" itself-executing a finished work. The strategies and insights he shares will resonate with performers of every stripe (actors, musicians, dancers) and practitioners of the non-performing arts (painters, writers, sculptors), and also with ordinary mortals in search of fresh ways of tackling the challenges and possibilities of everyday existence. [editor summary]

Le clown, personnage culturel et social, se construit par l'interaction avec son public et son milieu d'intervention. Questionner les ressources que les clowns mettent en oeuvre à l'heure actuelle pour survivre est une façon de comprendre leur identité sociale et par là, la société dans laquelle ils vivent. Ce travail, relevant d'une approche sociologique, a pour objectif de rendre compte d'une identité, d'une profession et d'un art qui entrent en lien avec des enjeux sociaux, politiques et économiques des sociétés contemporaines et occidentales. [résumé de l'éditeur]

Jusque là approchée par le biais de l’artiste, et non du groupe lui-même, la communauté artistique reste méconnue. Or la valeur collective, bien plus que simple toile de fond d’une œuvre d’art, s’élargit la plupart du temps à un style de vie, à de nouvelles formes d’habitat. On s’intéresse à ces communautés artistiques sous tous leurs aspects : historique, politique, sociologique, anthropologique... On découvre alors les formes diverses et originales du “vivre ensemble”, souvent cimentées par un projet utopique. En s’appuyant sur des sources variées, les auteurs offrent un panorama de ces microsociétés, pour qui la création artistique passe par un quotidien partagé.

Creativity is about capturing those moments that make life worth living. Legendary psychologist Mihaly Csikszentmihalyi reveals what leads to these moments—be it the excitement of the artist at the easel or the scientist in the lab—so that this knowledge can be used to enrich people's lives. Drawing on nearly one hundred interviews with exceptional people, from biologists and physicists, to politicians and business leaders, to poets and artists, as well as his thirty years of research on the subject, Csikszentmihalyi uses his famous flow theory to explore the creative process. He discusses such ideas as why creative individuals are often seen as selfish and arrogant, and why the "tortured genius" is largely a myth. Most important, he explains why creativity needs to be cultivated and is necessary for the future of our country, if not the world. [author symmary]